Con la llegada de Sant Jordi, Barcelona da la bienvenida al Barcelona Film Fest. El BCN Film Fest propone una selección de películas del panorama internacional relacionadas en un sentido amplio con la literatura y/o la historia. La idea es ofrecer un festival cercano a un público interesado por el cine y la cultura en general, en el que tengan cabida las propuestas con aspiraciones artísticas y las propuestas populares.

Aquí empieza la crónica del octavo día…

El gran Maurice de Craig Roberts

La verdadera historia de Maurice Flitcroft, un padre de familia y operador de grúa en un pequeño pueblo inglés, que ve peligrar su puesto de trabajo debido a la inestabilidad económica del país. Tras ver un partido de golf televisado, Maurice queda enamorado del juego y decide participar en el torneo más importante del mundo, el Open Británico. Un plan maestro que tiene un único problema: Maurice no ha jugado al golf en su vida.

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Cuando entré en la sala para ver El gran Maurice, entré con dudas. Aun a sabiendas de que era una película de comedia, no sabía muy bien qué podría esperar de una película que sea basa en un deporte que conozco tan poco (y me interesa tan poco) como el golf. Cuando salí de ver El gran Maurice salí con una sonrisa de oreja a oreja.

La gran virtud que tiene la película de Craig Roberts es coger un acontecimiento real tan extravagante y darle un tono tan tierno y divertido. Porque hablar de El gran Maurice, no es hablar de un biopic de deportistas, ni de una película de deporte, ni nada por estilo.

La película en cuestión es un relato sobre los sueños que se quieren cumplir, el significado de la familia y de jamás tirar la toalla. Todo este (emotivo) mensaje que lanza la película es construido gracias a dos pilares: Mark Rylance y la comedia (que al fin y al cabo, van unidos de la mano).

Mark Rylance se pone en la piel de Maurice Flitcroft y transmite la filosofía, el ingenio y la bondad de este “golfista” británico de manera excelente. No solo es que entienda a la perfección el guion y el papel que ha de desempeñar, es que entiende al personaje, y eso se nota mucho a través de su comunicación no verbal: los gestos, las miradas, el tono de voz, … todo está al servicio de Flitcroft.

A su vez, como se espera de una buena comedia inglesa, el tono cómico está muy bien medido. La dirección de Roberts, sumada al guion de Simon Farnaby, sabe muy bien cuándo usar una comedia más directa (magníficos debates los que tiene Rylance y Rhys Ifans) y cuándo dejar que fluya de manera indirecta (los constantes intentos del personaje de Maurice para colarse en el torneo).

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Es curioso que, brillando tanto en estos aspectos más complicados, falle en otros más “simples”.

Por un lado, los momentos de la película (en concreto dos) en que el personaje de Maurice tiene algún tipo de “alucinaciones” que le hacen imaginarse que puede volar, saltar, ser minúsculo y muchas otras fantasías, que al final sirven para ilustrar sus reflexiones sobre la vida (una es cuando descubre el golf, y la otra es hacia el final, que no desvelaré por spoilers). Estas escenas en concreto me sacan mucho de la película. La película es lo suficientemente inteligente como para hacernos entender eso sin necesidad de metáforas tan artísticas que no confluyen bien con el resto de la película.

Por otro lado, tendríamos ese hincapié «innecesario» en el drama. Si antes decía que dirección y guionista media muy bien cuando recalcaba la comedia y cuando dejaba que fluyera, en el caso del drama (o lo emocional), no lo consigue hacer tan bien. Hay diálogos que exprimen demasiado la situación o escenas que refuerzan un sentimiento que ya estaba claro.

En líneas generales, El gran Maurice es una divertidísima comedia que gustará tanto a los amantes del golf como a aquellos que no les interesa este “exquisito” deporte. Aún con algunos momentos que pueden chirriar (esa necesidad de enseñar metáforas visuales y remarcar el drama), la película sabe que contarte y como contártelo.

La piel en llamas de David Martín Porras

Frederick Sálomon, un fotoperiodista de guerra que consiguió la fama internacional al capturar la imagen de una niña volando por los aires como consecuencia de una explosión, regresa veinte años después al país donde tomó la emblemática fotografía para recoger un premio. Pero una periodista local quiere matarle por una razón que solo Sálomon conoce.

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La piel en llamas es una película de David Martín Porras que se basa en la obra de teatro de Guillem Clua (el cual participa en el guion de la película). Y la verdad, me es bastante complicado hablar de La piel en llamas, porque es una película con cosas muy interesantes, pero con otras que no conecto en absoluto.

Tiene cosas absolutamente fascinantes: la película plantea diferentes debates sobre múltiples temas (la guerra, los gobiernos, el arte, etc). Tiene una dirección absolutamente cuidada e innovadora para lo que son las adaptaciones teatrales y un elenco de protagonistas que se toman muy enserio el papel que interpretan y le dan la máxima veracidad posible (a destacar Fernando Tejero, que en drama nunca lo había visto tan bien).

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Pero luego tiene un problema bastante grande. Y es que a medida que avanza la trama toda la película pierde una fuerza abismal. Todos esos dilemas morales de los que escribía al principio de la crítica que tanto me gustaban van apagándose minuto a minuto, hasta que esa reflexión acaba en la nada.

Todo el misterio que planteaba su premisa inicial acaba siendo un tema repetitivo que, si al principio deseabas escuchar y analizar, al final deseas que acabe ya porque todo se ha dicho mil veces.

Y todos estos fallos acaban con un final excesivamente apresurado. Y ante esto, considero que si la película dura 87 minutos, se podían hacer dos cosas: Tener un ritmo más rápido donde evitan repetirse y entonces trabajar correctamente el final, o, por el contrario, darle más minutos de metraje.

Por todo ello me cuesta hablar “mal” de La piel en llamas, porque es una película con corazón, que realmente quiere hacer reflexionar y sacar conclusiones en el espectador, con un nivel en la dirección y en la actuación alto, pero que poco a poco acaba ahogándose en un guion con más buenas intenciones que con algo realmente a contar.

Entrevista con Fernando Tejero por la película La piel en llamas

Teniendo en cuenta que la gente acostumbra a tenerte en mente en comedia, ¿cómo se afronta tener un papel de este peso dramático y tan oscuro? Igual que en otros proyectos hechos a lo largo de los años, ¿crees que es un hándicap tener este espíritu de comedia con el que todos piensan en ti o es más una motivación de “voy a demostrarles que aparte de la comedia puedo con otros registros”? 

Hombre, es una motivación. Me encanta hacer comedia, pero sin ninguna duda, la carrera de un actor no se basa solamente en hacer un género. Cuantas más cosas diferentes hagas, mucho mejor.

Es cierto que el 80% de lo que he hecho en mi carrera ha sido comedia. De hecho, de alguna manera deje de hacer cine después de la película Cinco metros cuadrados, con la que gane la biznaga en el festival de Málaga, y era porque me ofrecían películas que yo ya sentía que había hecho. Entonces decidí hacer televisión, y con el dinero que gané produje teatro, en el que podía hacer lo que me diera la gana.

Entonces para mí siempre es una maravilla que me lleguen personajes como este, en un registro tan diferente, y como tú bien has dicho, un personaje tan dramático y tan oscuro. Por suerte este año tengo 5 películas por estrenar y casi todas son registros dramáticos.

Este en concreto me hizo mucha ilusión, pero luego me entró un miedo terrible, era un personaje muy complejo que habían rechazado otros actores porque no se atrevían a hacerlo. Me armé de valor y empecé a no juzgarlo, porque si lo juzgas evidentemente no los puedes trabajar. A veces es difícil creerte que alguien sea capaz de hacer las cosas tan horribles, y la verdad es que ha sido un reto.

Por un lado, ha sido un viaje espantoso. Trabajé muchísimo con Lidia (actriz que interpreta a Ida) y trabajamos con una psicóloga con la que hacíamos ejercicios puente entre los personajes y nosotros. Yo sentía que mientras iba tragándome al personaje, de alguna manera que tenía que pedir perdón a Lidia y que me tenía que pedir perdón a mí mismo, por todo lo que el personaje estaba haciendo.

Pero luego, por otro lado, feliz de que también se enseñen personajes como estos. En este caso es un verdugo de la guerra, y es necesario enseñar a estos personajes porque desgraciadamente y terriblemente existen.

Pero sí, ha sido un viaje…

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Aunque en concreto esto se da y se provoca en la parte de Óscar Jaenada, la película juega mucho con todos los diferentes puntos de vista que hay en una historia: como vive cada personaje lo que se hizo, como se hizo y porque se hizo. Mientras hacías la película, ¿había o se daba un debate sobre lo que trata la película igual que pueden tener un grupo de espectadores al salir del cine?

Lo que ocurre es que primero se trabajó la parte de Lidia. Es decir, la primera semana fue la parte de Lidia y la mía, luego la parte de Óscar con Ella, y luego al final se hizo esa parte donde coincidimos los dos. Entonces yo, sinceramente, no sé si cuando estaban trabajando Óscar y Ella se formó un debate, en mi caso no.

En mi caso notaba mucho impacto en el equipo y mucho respeto por la secuencia que estábamos haciendo. Durante todo el proceso de creación tuve muy buena onda con Lidia y entonces se creó ahí una relación de muchísimo cariño. Entonces es cierto que yo la cuidaba mucho, cada vez que había una secuencia de sexo o que ella estaba desnuda, y yo oía “corten” enseguida la tapaba, yo la tapaba a ella antes que a mí, y enseguida salíamos de ahí. Habíamos separado muy bien la realidad de la ficción.

Porque ya digo que en todo el proceso de creación yo lloré muchísimo. Lloré muchísimo por porque lamentablemente, como he dicho antes, me estaba metiendo en la piel de un personaje demoledor, pero que por desgracia existe.

Me acabas de decir que transformarte en este personaje ha sido complicadísimo, que te ha requerido mucho esfuerzo. La película está basada en una obra de teatro, si se diera la opción de que esta obra volvería al teatro y quisieran contar contigo, ¿estarías dispuesto?

Me encantaría. Yo la vi, la vi hace muchísimo tiempo en el María Guerrero de Madrid, en la sala pequeña. La vi porque había una amiga actriz que era la que hacía el personaje de Ida, y me impactó muchísimo, me encantó. Curiosamente, dije “que dos personajes más difíciles”, los cuatro son difíciles y complejos, pero me parecieron mucho más difíciles el mío y el de Ida.

Quién me iba a decir que con el paso de los años me lo iban a ofrecer para hacer la adaptación cinematográfica. O sea que fíjate…

Al ser una adaptación de una obra de teatro, ¿cómo se afronta? Porque hay películas en las que se nota mucho que se está interpretando una obra de teatro, en cambio, en esta, desde mi punto de vista, no da esa sensación, todo fluye más cinematográficamente. Entonces me gustaría saber si se afronta de otra manera, si tú trabajas para evitar ese toque teatral o simplemente salió de la manera que salió. 

Sí, yo creo que David tenía muy claro el enfoque de la película y cómo la iba a rodar. Luego es cierto que, aunque uno siempre intenta buscar la verdad, tanto en el cine como en el teatro, son dos formas distintas.

Yo creo que el teatro es más gestual, es más de proyectar la voz, y aquí no. Aquí hemos trabajado olvidándonos completamente de que era una obra de teatro. Yo de hecho tuve la posibilidad de volver a ver la función en el centro de documentación teatral y no quise verla para que no me empañará totalmente.

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Te lo decía porque en la dirección hay muchos movimientos de cámara, no es una dirección estática ni propia del teatro. Entonces para saber, si el director había mandado o intentado dar tipo de anotación para vosotros respecto a este tema.

Yo creo que él lo hacía todo con las formas de rodar, con los planos, … Yo creo que intentaba alejarse de eso. Pero que no pasa nada (con la forma teatral), al contrario, ojalá se adaptasen muchas obras de teatro al cine, y viceversa.

Pero sí es cierto que, como tú bien dices, yo creo que es más cosa del director con lo que hace con la cámara para que se notase menos que era una obra de teatro.

Me parece curioso porque, en el BCN Film Festival de este año, se empezó con Espejo, Espejo, donde la gran mayoría pasaba en una oficina y habitaciones. Luego estaba Todos lo hacen, qué pasaba todo en un hotel. Y aquí ahora con La mujer en llamas, donde todo pasa en una habitación, o en este caso dos. ¿Es pura casualidad o tú crees que a nivel de producción cada se arriesga menos y se prefiere ahorrar en escenarios y similares? 

Bueno, tiene que ver mucho igual con la producción. Yo no he visto estas películas que tú me has dicho, pero en esta en concreto, claro. A ver si me sale la palabra, el presupuesto no es el mismo que una película con muchísimos decorados.

Yo creo que sí, que es una forma de hacer cine de otra forma, y ahorrando más (se ríe). Esta película en concreto es una obra de teatro. Es una película muy de actores, y yo creo que también requiere que todo se haga en una misma habitación. Pero si es una forma de hacer cine con menos dinero, pues bienvenido sea, ¿no?

Desconozco si se rodó en época de confinamiento o COVID o no, en caso de que sea así, estando en el rodaje, si en algún momento el proyecto tuvo algún tipo de problema o fluyó con total normalidad.

Esto se gravó antes del confinamiento. No, no, no, la verdad es que fluyo todo con total normalidad. Ya te digo, la primera semana se hizo todos los míos con Lidia, con el personaje de Ida, todo fenomenal. Luego se hizo lo de Óscar y Ella. Y luego pues las partes donde hay encuentros entre persoanjes. Pero todo fluyó muy bien.

El equipo era un equipo maravilloso. Yo siempre he dicho que casi todas las películas de presupuesto más bajo la gente es como que se esfuerza más, como que tienen más ganas. Yo creo que evidentemente es porque tienen ganas de hacer ese proyecto, porque por dinero no es, porque al haber poco presupuesto, todo el mundo cobra menos. Pero sí es cierto que se creó una familia maravillosa. Te prometo que puede sonar a tópico, pero yo creo que es uno de los mejores equipos con los que he trabajado, porque estaban todo el rato arropándote y alabándote.

Yo creo que, en cierto modo, porque sabían la complejidad de los personajes que estábamos haciendo, lo mal que se pasa haciendo ese tipo de personajes. Entonces yo creo que ellos, por ayudar de alguna manera, pues estaban siempre como muy pendientes de nosotros.

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La película se vio primero en el festival de Málaga, ahora viene al Festival de Barcelona, dónde va a ver la premier esta noche y va a estar el equipo. ¿Cómo se afronta estar viendo la película con público y ver las reacciones o las sensaciones al momento? ¿Se vive con más “miedo”?

Yo lo paso muy mal. Ya lo paso muy mal viéndola solo en mi casa (se ríe). Cualquier película mía me da muchísimo miedo verla porque siempre piensas que lo podías haber hecho mejor, pero no sé qué me pasa que con los años cada año me voy juzgando más. De hecho, hay un par de películas mías que tengo para estrenar, que ya me han llamado para ver pases y de momento he dicho que no, que no quiero verlas. Así que imagínate con público y estado presente. No sé, yo lo paso francamente mal.

Luego es cierto que bueno, si tú percibes que la película ha gustado, pues como que mejora un poco la situación, pero aun así lo pasó muy mal. Yo llevo muy mal el tema de los estrenos, muy mal, siempre lo he llevado muy mal y yo creo que me moriré pasándolo mal.

Para acabar, me gustaría saber una vez esté en esta película, donde más podremos ver a Fernando Tejero, si estás trabajando en algo, …

Voy a estar en la película Modelo 67 de Alberto Rodríguez. Luego tengo otra que se llama La Fortaleza de Chiqui Carabante, que también está por estrenar. Tengo otra que se llama Lobo Feroz, de un director uruguayo que se llama Gustavo Hernández. Y luego tengo una que acabo de hacer que se llama Últimas voluntades de un director novel que se llama Joaquín Carmona Hidalgo. Esta última es una película que está rodada íntegramente en Murcia y que estoy con actores como Carlos Santos, Adriana Ozores, Óscar Casas, …

La verdad es que tengo muchísimo por estrenar. Luego voy a hacer una serie para Amazon que todavía no puedo contar, pero sí te puedo decir que es con uno de los directores qué más se admiró de este país, que tenía muchísimas ganas de trabajar con él, y con un reparto… vamos, con el reparto soñado. Así es que la verdad que muy feliz.

¿Veremos algún guion o alguna dirección con tu nombre en algún momento de tu trayectoria?

Ojalá, me encantaría, lo que pasa es que todavía no me he atrevido. Me lo ofrecieron una vez, pero todavía no me he atrevido, pero yo creo que sí, que con el tiempo sí, me encantaría.

Hace poco Daniel Guzmán dijo que es una de las experiencias más chulas y a la vez que más te deja tocado.

Sí, de hecho, ya es la segunda película. Sí, yo tengo una relación con Dani y es cierto que le costó. Está le costó mucho sacarla por qué no terminaba de convencerles a los productores. En fin, y le ha costado muchísimo sacarla adelante, tuvo que reescribir no sé cuántas veces el guion, … Pero bueno, mira, finalmente la ha sacado. Yo todavía no la he visto, tengo ganas.

Pero ya te digo que a mí me encantaría, yo sinceramente creo que sería un buen director de actores.

Seguid atentos a las próximas crónicas del BCN Film Festival 2022.

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